EXPERIMENTANDO SIN CÁMARA: STEVEN WOLOSHEN

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En la búsqueda por hacer nuestra propia animación experimentamos, así es, experimentamos a través de una combinación de técnicas, objetos, gustos, materiales, formas, tiempos, entre otras cosas, todo esto para mostrar la diversidad en la animación.Y para Locomoción nos es imporante centrarnos en aquellas personas que son ejemplos inspiradores de trabajo, pasión y cualidades capaz de nutrir el campo experimental en México y el mundo.

Queremos compartir el entusiasmo y la forma de trabajo de Steven Woloshen mediante una entrevista que le hicimos. Steven nació en Montreal, Canadá en 1960,
es animador y pionero de la animación directa (técnica de la cual ya hablamos) y forma parte de la National Film Board of Canada.

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A continuación presentamos la entrevista:

– Hola Steven, para ti ¿qué significa experimentación y qué relevancia tiene
en tu vida como animador?
Nunca fui hábil en las matemáticas y en ningún tipo de ciencias, sin embargo tengo las mismas curiosidades que todos los seres humanos y espero encontrar todas las respuestas a través del arte. Hago películas porque estoy interesado en como observamos el movimiento, el tiempo y la percepción.

-¿Porqué elegiste animación experimental como medio para expresarte como artista?
Durante mucho tiempo tuve interés en las imagines que pueden ser creadas sin la óptica, tales como cámaras o algún otro objeto convencional. También me gusta expresarme fuera de los grandes medios, trato de crear imágenes que no puedan ser usadas para vender productos o apoyar programas políticos. Muchas de mis imágenes son inquietantes porque no hay marco de referencia, no hay símbolos subyacentes o narrativas.

-¿Qué encontraste de único en la técnica de animación sin cámara al de las otras técnicas?
Bueno, la primera característica es la intimidad. Todas mis imágenes son creadas
2 pies (60 cm) de mi ojo, para mi es una extraña posición para un artista, sin embargo no estoy buscando a través de lentes o reevaluando mis figuras a través de los electrónicos, aplico materiales de arte directamente a la superficie de la película y observo el proceso que voy desarrollando.

Y la segunda característica es el costo, he tenido más de 40 películas y todas ellas con bajo costo. 

-¿Podrías describir como llevas a cabo tu proceso creativo?
Hay muchas maneras de hacer películas hechas a mano, creo que mis libros son los que demuestran que existen muy buenos métodos para realizar arte cinematográfico.

-¿Dónde encuentras la inspiración?
La inspiración la encuentro en la música, en todas las experiencias que he vivido y sobre todo experimentando con técnicas desconocidas. Guardo todas las rarezas que hago así que puedo hacer uso de ellos cuantas veces los necesite para llevar a cabo mis proyectos. Mi familia, mis amigos… todos ellos juegan un papel importante en mi arte abstracto.

-¿Cómo y cúando fue tu primer choque con la animación experimental?
Cuando yo era estudiante en escuela pública, mi professor proyectó una copia de
16 mm de Len Lye ¨Free Radical¨ y realmente me sorprendí por está película pues era una expresión completamente llena de alegría que nutria todos los sentidos. Ese año también se exhibió Brakhage y mucho más, fue en ese año donde entendí
que ¨menos es más¨

-¿Cómo y cúando empezaste a hacer piezas experimentales?
Por ahí de 1977 y fue la primera vez que abrí mis cartuchos super 8 de película y siempre quizé ver como se hacían las cosas. Usé un par de Tijeras directamente sobre la película sin exponer y la proyecté, ¿cómo se vería eso? o ¿cómo sobreviría al ser vista? no lo sabía, únicamente la experiencia más terrible es la que me ayudaría a responder todas esas preguntas.
Posteriormente en mis experimentos añadí música de un disco de vinilo de 33 1/3 y fue eso lo que ayudó a darle forma a todas mis futuras ideas por décadas. 

-¿Qué relación encuentras entre la música, la animación y la expresión creativa?
Bueno, todos nuestros sentidos están intercontectados. Para mi, experimentar es descubrir esas conexiones, sintetizando la armonía y el desequilibro, todo eso son metas en mi proceso creativo y siento que estoy en busca de una alineación de compuestos químicos que pueder crear nuevas formas de vida.

-¿Qué te motivó a crear el libro ¨Scratch, Crackle & Pop¨?
Para mi es muy importante compartir mis conocimientos, mi Profesor una vez me dijo: ¨nosotros compartimos palabras¨. Si se piensa en terminos como: libros, talleres o salones de clases, todo ello es parte importante para nuestra comprensión.

Mis libros son parte importante de un proceso que termina con el intercambio universal y garantiza la supervivencia de la película.Todos queremos participar en el proceso de hacer cine y en cuanto a libros como los míos, siempre están cerca de mi para ayudar a crear a otros.

-Platícanos ¿Cómo empezaste a ser parte de la National Film Board?
Fui contratado por la NFB a causa de mi vasto conocimiento del medio cinematográfico, esto lo gané gracias a mis películas con tinta directa, haciendo que mi aprendizaje creciera y por consiguiente mi amor al arte. Como resultado, mi arte se convirtió en una posición especial en la NFB. Mucha gente dirá que el cine está muerto.

En el siglo XX, Canadá registró un acontecimiento histórico así como en tantas naciones industriales, ahora estamos comprometidos a preservar estos documentos. Todo el mundo en el campo de la conservación sabe que el almacenamiento digital no es la conservación.

-¿De las películas que tú has hecho, cúal es la que más te ha gustado y porqué?
Me encantan todas mis películas pero en especial aquellas películas donde yo escribo en mis libros.

-¿Cómo ves el panorame de la animación experimental?
Esa es una pregunta difícil de responder.

-Podrías compartirnos 5 piezas favoritas de animación
Claro sin ningún orden en particular aqui van:

  1. The ¨Bolero Sequence Form¨ Allegro Non Tropo
  2. ¨Free Radical¨ Len Lye

  3. ¨Begone Dull Care¨ McLaren

  4. ¨What’s Opera Doc¨
  5. Cualquier película de  Hermanos Quay

     

DESDE LA VISIÓN DE CANADÁ: LA NATIONAL FILM BOARD OF CANADA

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El mundo está en constante movimiento la gente lo hace en busca de mejorar,
de crecer, de aprender, de transmitir, de sorprender, etc. Todo esto para ser reconocidos y llevar su esfuerzo más allá.
Gracias a organizaciones como la
National Film Board of Canada que ayudan a impulsar el trabajo de la gente para llegar a ser visto por miles de ojos.

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La NFB es una organización pública canadiense que se fundó en 1939 por
John Grierson cuyo objetivo es producir y distribuir películas de alta calidad para promover al país alrededor del mundo, reconocido por sus buenos documentales
y cortos animados, los cuales han ganado 5 mil premios y creado más de 13 mil producciones. Caracterizado por sus laboratorios de innovación, avances creativos en documentales y medios interactivos.

Busca proporcionar nuevas perspectivas sobre Canadá y el mundo desde diferentes puntos de vista así como el intercambio de mejores y distintas experiencias.
A continuación presentamos un video ganador de 4 premios que muestra la variedad de gente que vive en Canadá.

Es importante mencionar que la NFB hace un muy buen trabajo con cineastas, creadores y co-productores de las regiones de Canadá, así como con gente de todo el mundo. Algunos de los realizadores destacados en esta organización son:

Michèle Cournoyer

Jacques Drouin 

Christopher Hinton 

Co Hoedeman 

René Jodoin 

Evelyn Lambart 

Caroline Leaf 

Norman McLaren  

Ishu Patel

John Weldon

Indudablemente todos ellos experimentaron diferentes técnicas para adquirir la propia, destacando por su manera de animar, obteniendo premios y dejando huella en todos aquellos experimentales que también quieren proponer una nueva forma de hacer animación.

Exploren y sumerjanse en proyectos vanguardistas, observen las propuestas que hay en otros países y vean hasta donde pueden llegar.

Si quieren conocer más de esta organización entren a NFB

 

HOJA POR HOJA: FLIP BOOK

cover-flipEn los ultimos años los avances de la tecnología hacia la animación son cada vez más notables y en la búsqueda por nuevas herramientas y técnicas hemos dejado atrás piezas clave en la animación, esas que nunca dejarán de sorprendernos y siempre nos contarán una agradable historia, ya que son la base para lo que hoy en día hacemos, por ejemplo el flip book, flicker book o en español folioscopio.

Es un libro que contiene una secuencia de fotografías o ilustraciones que varían gradualmente de una página a otra, para que cuando las páginas pasen rápidamente, las imágenes parezcan animarse y puedan ver muchos movimientos, es una animación muy primitiva ya que basta papel, pluma y un pulgar para que al instante veas la minipelícula.

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En 1868 John Barnes Linnet lo pantentó con el nombre de kineógrafo y fue la primera forma de animación que empleó una secuencia lineal de imágenes, evidentemente el formato del libro nos limita mucho, sin embargo las imágenes podrán adaptarse fácilmente. 

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La importancia de este recurso fue tanta que se inventó el mutoscopio en 1894,  patentado por Herman Casler que consiste en una gran libro animado circularmente con una lente y una manivela que lo hace funcionar, seguramente los han visto en museos o salas de juegos.

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A continuación les presentamos dos videos, el primero y muy original del japonés Harumin Asao y el segundo son proyectos para la clase de animación de Ruja Petrov.

Cabe mencionar que el primer festival internacional de folioscopios fue en 2004 por la Akademie Schloss Solitude, Stuttgart aunque no hubo gran difusión.

Actualmente el cine mágico se usa como objeto promocional, juguete de colección y distracción o bien para salir de la rutina en los videos musicales, esta es una de muchas formas donde pueden experimentar con su libro animado.

Más flipbook promocional


Los libros poseen la magia de contarnos inumerables historias
y basta abrir para sumergirnos en ese mundo por descubrir.

Publicado por: Chispa

EXPERIMENTANDO SOBRE LA PELÍCULA: ANIMACIÓN DIRECTA

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Dejamos atrás las cámaras para dar rienda suelta a la mano y crear imágenes libremente, dibujar, trazar, poner puntos, líneas y toda la cantidad de formas que se nos vengan a la mente.

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Experimentemos con esta interesante técnica: Animación directa o animación sin cámaras, la cual consiste en crear imágenes animadas sin una cámara o procesamiento.

Uno de los pioneros para esta técnica es el escocés Norman McClaren que también ha experimentado con la pixilación y el slow motion como anteriormente lo mencionamos, McClaren arañaba y pintaba sobre la película pues no tenía acceso a una cámara.

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A continuación les dejamos un corto que McLaren hizo directamente sobre la película con pluma y tinta, añadiendo el color ópticamente “Hen Hop
y en 1955 hizo “Blinkity Blank” donde ganó Palma de Oro.

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Otro animador cuya pasión por las formas abstractas para crear filmes se ha destacado es el canadiense Steven Woloshen, inspirado fuertemente por los sonidos ya que la mayor parte de sus piezas se combinan con el ritmo de una pieza musical.

Cabe destacar que ambos animadores forman parte de la National Film Board of Canada (NFB), que es una organización pública reconocida por sus excelentes documentales y cortos animados.

www.nfb.ca

Existen algunas subtécnicas para aplicar la animación directa:

Gratage, consiste en rascar, grabar o lijar la película usando cintas negras,
les mostramos un ejemplo del animador Richard Reeves:

Collage, aquel que reúne diferentes elementos, fondos artísticos, tomas de acción, recortes, dibujos, pinturas y grabados sobre la película, un ejemplo es el animador
Stan Brakhage.

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Cualquier herramienta puede ser utilizada para este tipo de animación y todas se pueden combinar según sea necesario.

Algunos animadores que desarrollaron esta técnica son: Len Lye, Stan Brakhage, Richard Reeves y Beaerbel Neubauer.

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La animación directa no requiere de gran presupuesto, pero si requiere la dedicación
y la pasión por crear diferentes universos y formas infinitas, es una buena opción para producir una película experimental, sobre todo a aquellos que están incursionando en este medio.

Hoy en día, la animación sin cámara

se produce por todo el mundo.

Publicado por: Chispa

ANIMANDO CON PLASTILINA: CLAYMATION

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A pesar de que la tecnología nos permite hacer animaciones digitales, muchas personas optan por otros métodos tradicionales sumamente interesantes y elaborados, animaciones donde uno toca, moldea, construye y mueve paso por paso con diferentes materiales, asi es, muchos optan por trabajar con Claymation o Clay animation, una subcategoría del Stop Motion.

Pensar en una animación hecha por Stop Motion probablemente se nos venga a la mente la película “El Extraño mundo de Jack” de Tim Burton o “Wallace and Gromit” de Nick Park y Peter Lord y efectivamente lo es, pero si lo llamamos por su nombre exacto, sería Claymation (plastimación). Recordemos que el
Stop Motion tiene muchas variantes.

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La Claymation emplea materiales como plastilina, arcilla, silicona, cerámica o algún otro material maleable alrededor de esqueletos de alambre y consiste en capturar fotografías del objeto a medida que se vaya moviendo. Muchos cineastas han optado por utilizar esta técnica y uno de los pioneros es Joseph Sunn de origen
chino-americano que desde 1926 realizó una serie de animaciones con plastilina como “The Penwiper”

Y que tal las maravillosas obras del norteamericano Ray Harryhausen, sus dragones, mounstros de 2 cabezas, esqueletos, armaduras y todos los efectos especiales que usaba para los años 50’s eran sorprendentes. Algunas películas que indudablemente vieron fueron “Jason y los argonautas”, “El séptimo viajes de Sinbad”
y “Furia de Titanes”

Por los años 70s encontramos a otro cineasta norteamericano Will Vinton, el cual ganó un oscar por su trabajo de animación con plastilina, su técnica para el clay era Freeform, un término informal en referencia al proceso en el que la arcilla cambia de forma rapidamente, por ejemplo una esfera de arcilla que se transforma en un humano o en auto, en resumen es una animación que tiene punto de inicio y punto final pero nunca veremos el punto medio.

En claymation encontramos subtécnicas y aqui se las presentamos.

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Si bien la animación de forma libre y la animación de personajes tiene similitudes pues ambas parten de una bola de arcilla, sin embargo esta animación unicamente se transforma en personajes y normalmente están construidos sobre un esqueleto de alambre haciéndolo mucho más creíble, un ejemplo de esto es la serie de
Wallace y Gromit”, creado por Nick.

Ahora damos paso al Strata Cut, una de las técnicas menos utilizada que se trata de crear una animación dentro de un bloque de arcilla sucediendo ahí la magia, de fotograma a fotograma cambia la forma o colores según sea la animación pero todo está limitado, aqui un ejemplo para que les quede más claro.

Y finalmente las pinturas de arcilla el último tipo de animación, este es muy similar al Strata Cut, sin embargo esta técnica es moldeada perfectamente dentro de un lienzo dando una forma surrealista que demuestra claramente los pasos de su transición, es una técnica mucho mas bidimensional, a continuación les mostramos un buen ejemplo de esto.

Para todos aquellos que gustan de construir o armar asi como de tener una excelente paciencia y dedicación, definitivamente esta técnica es lo suyo, uno puede hacer maravillas e increibles efectos especiales, ya que nos brinda calidez y texturas inigualables.

Publicado por: Chispa

ARTE DIGITAL: LAS IMAGENES DE JOSHUA DAVIS

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Estamos viviendo en una era digital donde cada vez más nuestras pupilas se sorprenden al ver el increíble manejo del color, textura, tramado, movimiento, luz y efectos que nos sumergen en este mundo, por esa razón la visita de festivales digitales como OFFF, FILUX, VAW, MUTEK, MOD, entre otros, nos traen visuales e instalaciones innovadoras.

Y un claro ejemplo de esto, es el contemporáneo Joshua Davis, diseñador estadounidense, tecnólogo, ilustrador, experimentador, escritor y artista en los nuevos medios de comunicación, desde 1995 ha hecho una carrera como creador de imágenes utilizando la programación, el escribe su propio código y hace que haya una interacción con los usuarios.

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Es fascinante ver como  crea sus propias ilustraciones y diseños, pues no solo están plasmados en papel, si no que experimenta con ellas llevándolas al medio digital, es por ello que sus inspiraciones hacen que artistas musicales se acerquen a él para que juntos complementen nuestros sentidos visuales y auditivos.

En sus videos, experimenta con el blanco y negro así como con el color, hipnotizándonos con esas texturas y movimientos.

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Ha participado musicalmente con Phantogram, Deadmau5, Tycho, Diplo, así como también ha exhibido en diferentes museos y galerías como Whitney Museum of American Art, Ars Electronica Center, Tate Modern, The Design Museum, entre otros, donde a pesar de ser él su propia audiencia, ha llegado cada vez más a públicos que ni el mismo se imaginaba, simplemente su talento y experimentación lo han llevado al éxito.

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MUJERES ALQUIMISTAS: LAS SILUETAS DE LOTTE REINIGER

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Las mujeres también tienen una gran participación en el mundo de la animación, están en la constante búsqueda de técnicas nuevas y experimentales, deseos, gustos y placeres. Un claro ejemplo de esto es la pionera del cine de animación con siluetas, Charlotte Reiniger.

1899, Alemania.

1899, Alemania.

Las pasiones de la alemana eran las marionetas, el cine y la música que son las bases de un arte singular que llevó a la pantalla grande: las siluetas recortadas y animadas gracias a los trucos cinematográficos cuya magia reside en la imperfección, en las limitaciones técnicas y factura artesanal que dejaba a la imaginación el espectador.

Bastaron unas tijeras y papel negro para crear universos hechizados, mágicas alfombras, demonios malévolos y palacios voladores, pero si bien es cierto el primer trabajo registrado fue por el argentino Quirino Cristiani de la cual no se conserva ninguna copia, él usaba recortes de cartulina dibujadas con líneas blancas combinada con otros dibujos, sin embargo quien llevó a su maxima expression artística esta técnica fue Lotte.

Primero entendamos que la animación de siluetas es una subtecnica del cut out variante del stop motion el cual consiste en crear personajes con papel, cartulina, tela, fotografías o cualquier otro material plano recortado y situado sobre un fondo sobre el que se moveran fotograma a fotograma, es una técnica muy sencilla y barata

El cut out tiene muchas subtécnicas como: chiyogami, cut out con ilustración,
cut out híbrido de imagen real, lumagecut out digital y animación por siluetas, siendo esta última la que utilizó Lotte.

2 tijeras         2a papel

La animación de siluetas emplea figuras recortadas para proyectar sombras. Suelen usarse figuras articuladas que puedan mover partes por separado. La técnica de las figuras recortadas tiene una larga tradición anterior al cine en los teatros de sombras (marionetas de Java, Karagoz en Turquía, …) y en los juegos cortesanos.

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Lotte trabajó con el cineasta Paul Wegener y Fritz Lang, hizo cortometrajes, largometrajes y anuncios publicitarios. Su largometraje más exitoso considerado de culto es Las Aventuras del Principe de Achmed.

Si ustedes quieren experimentar con esta técnica les compartimos lo que nos dice Lotte.

«Una película de siluetas es una película de figuras negras de contornos claramente definidos, una película de recortes a tijera. De inspiración en el teatro de sombras chinescas, las películas de siluetas tienen una técnica muy precisa, sólo son necesarias unas tijeras, cartón negro, papel de calcar, hilo o alambre, algo de plomo, una cámara, bombillas, una placa de vidrio, madera para construir una mesa de fotografía y…
mucha paciencia».

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DETONANTE CREATIVO: PIXILACIÓN

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La Pixilación es una técnica de animación que entra en nuestro detonante creativo: Tecnolúdica.

Considerada por muchos la primera técnica de animación, la Pixilación consiste en alterar cuadro a cuadro el movimiento natural (o la falta de éste) de personas, animales y/u objetos con el propósito de crear una animación. El término Pixilación se le acredita a Grant Munro quien hizo una corto animado con este nombre.  La animación más antigua de la que se tiene registro con esta técnica es El Hotel Eléctrico (1905) de Segundo de Chomón. Y no se puede hablar de animación experimental sin mencionar al pionero Norman McLaren que junto a Claude Jutra co-dirigió el corto  La Silla, en dónde una silla no quiere ser usada como tal.

stanley_picklesStanley Pickle, de Victoria Mather, 2010.

Al componerse de marionetas humanas y entornos comunes, la pixilación es muy conocida y apreciada por las ilusiones mágicas que le agrega a la vida cotidiana. Tal es el caso del corto animado Stanley Pickle (2010) en dónde se puede observar a los personajes deslizándose en el bosque como si estuvieran patinando sobre hielo, o Beeline Tricky Dog, un anuncio ruso de telefonía móvil muy original (y lindo, muchos awwwws) en dónde se animó a un perro en la búsqueda de su hueso para mostrar a los clientes cómo mejorar su línea telefónica con su tarjeta de crédito.

Otro buen ejemplo es el video Her Morning Elegance del todólogo Oren Lavie en dónde se invita a los espectadores a presenciar los sueños de la protagonista.

Hay variantes de ésta técnica, como la pixilación procesada que consta en tomar fotogramas de los fotogramas; un claro ejemplo es el video Breath Me de Sia en dónde se creó una pixilación con polaroids que luego fue usada dentro de otra pixilación, o como en el caso del corto Copy Shop  de Virgil Widrich en dónde a los fotogramas se les sacaron fotocopias que luego fueron alteradas manualmente para darle un efecto glitch al producto final.

Actualmente y gracias a la gran selección de aplicaciones móviles,  esta técnica es muy bien recibida por los animadores adeptos a vine e instagram ya que permite crear historias ficticias sin necesidad de otros elementos más que uno mismo (y tal vez la ayuda de un amigo).

🎶🎤🎶 @garage_magazine @madonna #MDWLlilmovies @legsdontfailmenow 😘 #mydaywithleo

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ALQUIMISTAS VISUALES, CONSTRUCTORES DE CAMINOS: JULES ENGEL

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La influencia del trabajo de personas que llevan más allá las reglas, los estándares, los que escuchan los llamados de su corazón que los llevan a explorar caminos nuevos, que en beneficio de todos construyen nuevos panoramas, así es el trabajo de Jules Engel.

Jules Engel in his studio, 1949

Jules Engel en 1949

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Un cuadro de “Fantasia” los primeros indicios de las

inquietudes experimentales de Engel © Walt Disney Pictures

Gerald McBoing Boing y el trabajo de Engel como fundador de la UPA (United Productions of América) tienen repercusiones en el estilo de ilustración de las caricaturas de varios canales y programas actuales, la simpleza, la expresión del color, las líneas divertidas, en fin toda el juego que se hizo a través de las formas que básicas que construyen a los personajes, objetos y espacios vienen de la influencia y gusto por el arte de vanguardia, que hicieron de este estilo una vanguardia en sí misma pero en el animación y diseño de personajes.

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Jules Engel probó muchos caminos para forjar su estilo, experimentar la tradición para luego crear vanguardia. Siempre trató de fundir su pasión por el movimiento, su talento para la expresión visual y el dibujo  y su admiración por el arte de Matisse, Kandinsky, Klee y Dufy. Su trabajo como animador, pintor, dibujante, compositor de música de fusionaron a lo largo de su carrera.

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Su trabajo experimental se centró en la abstracción y movimiento de figuras  geométricas:

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Sculpture Garden 1962, acrílico

 “Me he concentrado, con especial énfasis, en el desarrollo de un  lenguaje visual dinámico e inspirador, lo que demuestra que la coreografía gráfica pura es capaz de la verdad no verbal. He elegido transmitir ideas y sentimientos a través de los movimientos de líneas, cuadrados, puntos, círculos y variedades de colores”. 

Al separarse la UPA Jules formó Format Films en donde dio rienda suelta a su deseo experimental e hizo la pieza Icarus Montgolfier Wright basada en el libro de Ray Bradbury aquí hizo uso de formas en movimiento, movimientos de cámara innovadores que se conectan en una edición en la que los elementos entre una escena y otra tienen una relación formal, el color es un personaje más lleno de expresión en si mismo, como decía siempre Engel  “El color es energía” Icarus es  una pieza que fue nominada al Óscar en 1962

Jules Engel creía firmemente en la expresión artística a través del movimiento, lo que lo llevó al nacimiento del Programa de Animación experimental en una de las escuelas más prestigiadas en animación del mundo la Calarts. Teniendo como alumnos a Henry Selick (Nightmare Before Christmas), Eric Darnell (Antz), John Lasseter (Pixar), Christine Panushka (Absolut.Panushka), Ellen Woodbury (El rey León) and Mark Osborne (Kung Fu Panda) Glen Keane (La Sirenita, Enredados).

“ Lo que descubrí a través del ejemplo de Jules fue que hay un universo de posibilidades en la animación y como medio de expresión personal es único e incomparable” Kung Fu Panda co-director Mark Osborne

Inspiración pura, Jules Engel siempre daba estos consejos como mentor a sus alumnos:

  • El movimiento es el contenido. No lo observes meramente, SIÉNTELO
  • El movimiento debe incluir pausa y silencio
  • El color puede crear espacio, puede proyectar la escena entrante; puede ser dramático o expresivo
  • El color puede ser sereno o agresivo
  • El color es energía

Les presentamos un montaje de su obra Accident de 1977, lo juntamos cuadro por cuadro como se presenta en su pieza y la presentamos como un gif.

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LINKS

Remembering Jules Engel: Teaching ‘Visual Music’

http://www.awn.com/animationworld/remembering-jules-engel-teaching-visual-music

Alquimistas Visuales

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Antes de la Norma existieron los Alquimistas Visuales, el eterno ciclo entre la regla y la vanguardia.

La experimentación es el origen del todo, en función de una teoría se desata una serie de procesos para comprobarla o rechazarla. Es el estado al que siempre regresa el ser humano para generar nuevas interpretaciones, nuevos caminos, para encontrarse a sí mismo. En el caso de la animación el descubrimiento de la fotografía, el anhelo del ser humano por plasmar el movimiento y el surgimiento de las teorías de la Persistencia de la Visión (Peter Mark Roget 1824, una teoría rechazada por los estudios en neurofisiología),  desataron la imaginación de grandes pioneros, el deseo de explorar las posibilidades del movimiento o el deseo de conectar con las audiencias emocionalmente fueron moldeando sus búsquedas.

Comenzar desde este punto, desde la esencia, desde la alquimia, desde la búsqueda de una piedra filosofal visual, desde la búsqueda de la transmutación del alma. Desde la lucha interna por comprender lo establecido y darle un nuevo giro.

“No teneís movimiento, Soís movimiento”

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Jorge Luis Borges “El alquimista” fragmento “En su oscura visión de un ser secreto que se oculta en el astro y en el lodo, late aquel otro sueño de que todo es agua, que vio Tales de Mileto.